“Otoño Porteño”, Astor Piazzolla

 

Guitar: 1976 Miguel Rodriguez ‘Churchdoor’ (http://tinyurl.com/hzobg5q)
Here’s Rupert Boyd playing Astor Piazzolla’s Otoño Porteño on a beautiful 1976 Miguel Rodriguez ‘Churchdoor’ from the Russell Cleveland Collection that had belonged to Celin Romero and John Dearman. Recorded at the Guitar Salon International showroom in Santa Monica, CA.

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“Kertész y Celan: un diálogo entre Kaddish por el hijo no nacido y Fuga de muerte”, Judit Gerendas

Paul Celan

Uno de los poetas que más hondamente ha marcado la literatura y la cultura del siglo XX es Paul Celan. A los veintidós años, siendo estudiante de literaturas románicas en una universidad de Rumanía, fue llevado a un campo de trabajo, en tanto que sus padres, judíos de alta cultura, fueron deportados a un campo de exterminio, de donde nunca regresaron.

Sobrevivió a la guerra, pero no a la convicción de que su vida no le pertenecía, de que podía ser trasladado de un lugar a otro, obligado a dejar su vocación y  trabajar como una bestia, sin ninguna  retribución, o ser exterminado como una alimaña, sin motivo racional alguno, solo por ser definido como el otro, el judío, algo de lo cual él nunca estuvo consciente. Luego de dejar una obra poética magistral, Paul Celan no pudo seguir soportando la obtusa presencia del mundo y se suicidó a los cincuenta años. De entre toda su obra, tan valiosa, el poema más conocido y más frecuentemente citado es el escalofriante “Fuga de muerte” (“Todesfuge”), escrito en 1948 y publicado en el volumen Amapola y memoria, de 1952.

Me voy a permitir transcribirla completa, en traducción de Jesús Munárriz:

Leche negra del alba la bebemos al atardecer
la bebemos al mediodía y a la mañana la bebemos de noche
bebemos y bebemos
cavamos una fosa en los aires allí no hay estrechez.

En la casa vive un hombre que juega con las serpientes que
    escribe
que escribe al oscurecer a Alemania tu cabello de oro Margarete
lo escribe y sale a la puerta de casa y brillan las estrellas silba
    llamando a sus perros
silba y salen sus judíos manda cavar una fosa en la tierra
nos ordena tocad ahora música de baile.

Leche negra del alba te bebemos de noche
te bebemos de mañana y al mediodía te bebemos al atardecer
bebemos y bebemos
un hombre vive en la casa tu cabello de oro Margarete tu cabello
    de ceniza Sulamita él juega con serpientes.

Grita tocad más dulcemente a la muerte la muerte es un amo de
    Alemania
grita tocad más sombríamente los violines luego subiréis como
    humo en el aire
luego tendréis una fosa en las nubes allí no hay estrechez.

Leche negra del alba te bebemos de noche
te bebemos al mediodía la muerte es un amo de Alemania
te bebemos al atardecer y a la mañana bebemos
y bebemos la muerte es un amo de Alemania su ojo es azul
te alcanza con bala de plomo te alcanza certero
un hombre vive en la casa tu cabello de oro Margarete
azuza sus perros contra nosotros nos regala una fosa en el aire
acosa con las serpientes y sueña la muerte es un amo de
    Alemania
tu cabello de oro Margarete
tu cabello de ceniza Sulamita1.

El poeta habla de todos los seres humanos pertenecientes a la cultura de su personaje, Sulamita, los cuales han sido atrapados y serán víctimas de un crimen inenarrable, indecible, una shoah, es decir, una catástrofe que desteje el tejido de lo que consideramos la cultura humana. Para hablar de ello, el poeta convoca al máximo representante del humanismo alemán y, quizás, de toda la cultura occidental, al menos  de una cierta época: a Goethe, el autor de ese personaje femenino de cabellos de oro que da un paso y sale del Fausto, esa magnífica obra, para enfrentarla a la Sulamita de cabellos de ceniza, la cual también, con sus pasos, sale de un clásico de la cultura occidental, del Cantar de los Cantares,  conocido como del rey Salomón, texto en el cual la bella y erótica muchacha, protagonista de la historia de amor que ahí se nos cuenta, no tiene los cabellos de ceniza, es una joven morena, rosa de Sarón, lirio de los valles.

La ceniza es esparcida por el viento y viene de las chimeneas de los hornos crematorios, donde Sulamita se convertirá en humo, sus cenizas se perderán en medio de las nubes, no tendrá un entierro, no tendrá una tumba, ni una urna, sus descendientes no podrán honrarla ni hacer el duelo por ella, como es norma dentro de la ley humana, de la cultura que tiene sus rituales de vida y de muerte;  estos últimos ayudan a elaborar el dolor, forman parte del proceso de duelo con el que la psique humana integra dentro de sí el hecho de la muerte, intentando reparar la devastación sufrida mediante los ritos propios de su cultura.

Pero el pueblo que solo toma leche negra día y noche, leche de muerte, leche de exterminio, no tendrá derecho ni siquiera a una fosa dentro de la tierra, algo que Paul Celan expresa con la reiterada imagen de la sepultura en el aire, esas tumbas que las propias víctimas del próximo exterminio están cavando en los aires.

Quizás nunca nadie había llegado tan lejos en la poetización del horror como Celan. El poema adquiere su grandeza al asumir la forma de la fuga, en su sentido musical, composición abierta construida sobre la figura de la repetición de sus múltiples temas (o de la polifonía de sus voces), una incesante reiteración que se dispara hacia el infinito, no tiene cierre, como no tienen tumba que los encierre las víctimas de la shoah. El tema se va desplazando, hasta perderse en las fosas que se cavan en el aire, en la nada, humo y ceniza que se dispersa en el universo, fuera del mundo humano, dando cuenta del quiebre del humanismo, ahí cerca de Weimar, la ciudad de Goethe, en el campo de concentración de Buchenwald (Bosque de las hayas), aunque ahí no había hornos crematorios, lo que no obsta que pueda considerarse símbolo de ese quiebre, situado como está frente a la ciudad de Weimar, la que está sobre la colina de Ettersberg, donde se yergue el Castillo de Ettersburg, el lugar en el cual trabajó Goethe más de cien años atrás, en obras que se convirtieron en piedra fundamental del clasicismo europeo, del humanismo que se haría trizas en Auschwitz, en Buchenwald, en Mauthausen, en tantos otros campos del horror.

El contrapunto entre Margarete y Sulamita, entre los cabellos de oro de la una y los de ceniza de la otra, también corresponde a la composición de la fuga.  Las repeticiones en el poema se presentan con variaciones y en distintos tonos, en el desarrollo de ese obsesivo tema que tampoco se cierra, se pierde en el infinito, en el cosmos helado e inhabitable.

“Fuga de muerte” es una de las poesías más significativas del siglo XX,   capaz de formular en palabras originales, no desgastadas ni sentimentales, una situación límite, la cual, en correspondencia con lo insoportable de su decir, adquiere una forma poética a su vez insoportable en sus terribles reiteraciones, todo lo cual, articulado, da origen a un magistral poema. De la cicatriz que no se cierra, como calificó el estudioso húngaro-alemán Péter Szondi a la poesía de Celan, habla el escritor mexicano José María Pérez Gay,  doctor en filosofía germanística, como de

la cicatriz de nuestro tiempo. No niegan la dignidad del miedo, ni el consuelo de la confianza. Es la suya una poesía ardiente, brotada de la vida y el diálogo del hombre con el mundo. (…) Hay amapolas y memoria, urnas y arena, tallos y lámparas. (…) Celan es un poeta que ha dejado un rastro de fuego en la lengua alemana2 .

Paul Celan escribió “Fuga de la muerte” en 1948. Veintidós años después se suicidó en París, lanzándose al Sena desde un puente. La simbolización de su inconsciente lo llevó a esa fuga de la muerte dentro de una materia que, aunque no era una fosa en el aire, era un líquido, las aguas de un río en las que tampoco cabe una fosa que se corresponda con la ley humana (tan antigua como Antígona y su historia, o más), que encierra al cuerpo muerto dentro de la solidez de la tierra. No se puede cavar en el río, el cual corre sin cesar en su fuga indetenible hasta desembocar en la vastedad del mar. Pero la realidad no es simbólica, es factual, y el cuerpo de Celan fue recuperado de las aguas días después de su muerte y enterrado en un cementerio de París.

Imre Kertész

Veinte años después del suicidio de Celan, otro sobreviviente de la shoah, el Premio Nobel húngaro Imre Kertész publica en 1990, en su idioma, su magistral libro Kaddish por el hijo no nacido, el cual a su vez se constituye en una fuga de muerte, en constante diálogo con el poema de Celan. Ya el epígrafe mismo pertenece al poema que hemos estado asediando, esta vez en otra traducción, muy sugestiva:

. . .  tocad más sombríamente los violines
luego subiréis como humo en el aire
luego tendréis una fosa en las nubes
allí no hay estrechez

Paul Celan, Fuga de la muerte3.

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“Filigranas con origen del papel fabricado en la villa de Capelladas”, Rafael León Portillo

 

“Le filigrane, empreinte laisée en creux dans la feuille de papier par un ornament en fil de métal fixé sur la forme, est, de toutes les particularités qui différencient les papers, la plus importante”.
Ch.M. Briquet. Les Filigranes

El recuerdo de ese trayecto, que hice siete años atrás con una amiga enferma, reaparece por momentos como una filigrana por detrás de estas imágenes de ahora. Pero es propio de la filigrana no ser visible sino cuando se coloca la hoja a contraluz y a pleno día. El resto del tiempo, no nos damos cuenta de que está ahí.

Marguerite Yourcenar
Una vuelta por mi cárcel

‘CAPELLADAS’ / CAPELLADES

En otro lugar1 reproduje una selección de las etiquetas adheridas a los embalajes de papel, que tomaría de Carátulas papeleras. Siglos XVIII-XX, obra de Isabel Gaig y Victòria Rabal2, admirable conservadora ésta última del museo instalado en el viejo molino harinero comunal, el molí de la vila de Capelladas3, aunque, con seguridad, ella habría dicho y hecho constar “Capellades”, en catalán, sin perjuicio de que muchas de esas carátulas —y, desde luego, todas las que yo reproduje— digan “Capelladas” y de que el libro a que nos referimos esté escrito en español 4.

Pero yo reconozco que el nombre de aquella villa puede ser “Capellades” porque indudablemente le asiste el derecho a designarse como le venga en gana. Aunque igualmente reconozco que, escribiendo en español, decir “Capellades” es un despropósito y una cursilería semejante a la que se producirá si, hablando en español, dijésemos London, Firenze o Köln para referirnos a Londres, Florencia o Colonia (que no son designaciones oponentes sino el resultado de una larga evolución y adaptación a esta lengua que compartimos con Cataluña y que sólo por mero arcaísmo poético llamamos castellano, por más que no lo sea). Proceder así sería algo tan insoportable como decir Gerona, Lérida o Tarragona hablando o escribiendo en catalán. Pero allá cada uno.

El despropósito, de todos modos, es menos insufrible conforme el topónimo tenga menor relevancia y arraigo. “Capelladas”, aunque sólo sea el nombre de una villa modestísima, se ha venido registrando y exportando sistemáticamente así, al menos desde el XVIII. Por citar sólo algunos documentos de los que ya me he ocupado con cierta extensión, recordemos que los excepcionales privilegios concedidos por Carlos III a los Guarro en 1735 (confirmados en 1749), citan expresamente a “Capelladas”; que la consulta hecha en 1779 por la Junta General de Comercio a “los Guarros y Capelladas” vuelve a hacer igual referencia, y que la respuesta a esa consulta (firmada nada menos que por papeleros que se apellidan Guarro, Romaní, Ferrer, Ferreres, Soteras y Romeo) se data en “Capelladas”; que don Carlos Beramendi, comisionado por Carlos IV en 1791, vuelve a citar la villa de ese modo en la relación de su viaje; y que el cartapacio llamado Libro de varios planos y máquinas (constituido por planos e informes de en torno a 1760), por abreviar la relación, citan igualmente la villa como “Capelladas”. Frente a esa unanimidad textual, quienes en el Principado han ido publicando esos documentos transcriben con igual unanimidad, y sin previa advertencia, “Capellades”.

Desde luego, cuando se habla de la historia del papel en Cataluña, Capelladas constituye una referencia de privilegio, aunque ese nombre viene mitificándose, más en beneficio del museo molino —según creo— que de la propia Historia. Baste pensar que la Guía oficial de aquella institución declara que “Capellades ya era reconocido en el siglo XIII como pueblo papelero” y que “a mediados de ese siglo el papel de esta población era exportado a Italia, Egipto, Grecia, Bizancio y otros muchos lugares importantes del Mediterráneo”, todo lo cual contrasta con el hecho de la desconcertantemente tardía elaboración catalana de papel que en ningún modo fue anterior a 14445.

A la difusión del nombre de Capelladas contribuyó no solo su extraordinaria actividad fabril (los dieciséis molinos papeleros que se alimentaban del agua de su balsa —hoy desdichadamente seca6— encabezados por el actual museo molino y los de su comarca, y su comercio favorecido por el emplazamiento de esa villa en el Camino Real de Madrid a Zaragoza y Barcelona), sino también el hecho de que se generalizase la denominación “Capelladas” para referirse al papel “Salustio” o “Suplido” sin consideración del lugar en que se fabricara efectivamente. Frente a esos orígenes magnificados de la elaboración del papel en la villa, el propio Oriol Valls hubo de reconocer, finalmente, que “hasta el siglo XVII poco o nada se sabe de la fabricación del papel en Capellades”7.

Y mitificación ha sido igualmente referirse a una supuesta calidad excepcional de sus fabricados. Recuérdese el juicio, generalmente desfavorable, que ese papel iba mereciendo a los expertos de la Real Junta General de Comercio en sus periódicos exámenes a partir de 1765 8.

Paralelo al caso de las carátulas que aparecen en las maculaturas o papel de envolver que se ha dicho al comienzo, y que se reparten ambos modos de denominación, es el caso de las marcas al agua que pueden apreciarse en el papel envuelto, y las líneas que siguen van a detenerse un momento en esa diversidad, para lo que —un tanto desordenada y caprichosamente— pudiéramos establecer con ellas los tipos que a continuación se ensayan:

filigranas1

En el tipo que podemos designar como A9 la lectura es inequívoca. En el levantamiento que se reproduce, sus caracteres, de manera independiente cada uno de ellos, debían estar ya a disposición del proveedor, como están los tipos móviles en las cajas de imprenta, dispuestos para aplicarlos a cualquier composición, a cualquier nombre, y ello explica la difusión de esa caligrafía clásica en el mundo de las marcas y contramarcas.

Dentro de la natural variedad gráfica, el tipo B es el contrapuesto al anterior. El hilo se ha llevado de manera que sólo podría aplicarse al nombre que nos ocupa, y se ha escrito con un trazo continuo en evitación de que al rematarse cada letra o grupo de letras pudiese levantarse y herir al papel recién formado. En el ejemplar reproducido parece mostrarse el vacilante residuo de una lectura anterior: una especie de visera desciende del tramo horizontal superior de la última E (muy diferente de la primera E, que parece una F), como queriendo enlazar con el tramo horizontal intermedio. Y desde el tramo horizontal inferior, que se interpreta como superpuesto a la línea que une todas las letras, se alza una puntera que se ha interpretado como rasgo final de la S en que acaba el nombre. Todo ello quizás —sólo quizás— tienda a apuntar a una escritura CAPELLADAS.

Mayor rareza representa el tipo C, con interpunción10 entre las dos primeras sílabas y las dos siguientes, CAPE.LLADES, y en el que se aprecia una segunda L casi vergonzante y como en letra voladita, lo que nos pone a un paso de su desaparición11, según ocurrirá ya en D. Es posible que, en ambos tipos, el filigranador tomara la palabra como un nombre compuesto (siempre con base en capellus) y, dado que el catalán medieval palataliza automáticamente la ele inicial de una palabra (cfr. llet/ leche, lluna/ luna, y tantas más), hasta el punto de que no era necesario indicar en la escritura la doble ele (como en español no se duplica al principio de la palabra la ere o erre para indicar que ésta es fuerte), el punto de la interpunción permitía leer /capellades/. (En catalán, la elle fue tomada posteriormente del castellano, cuando se introdujeron las voces cultistas con ele inicial, lo que obligaba a distinguir entre los dos posibles sonidos iniciales de una palabra).

Más curioso es el tipo E, donde se lee CAPELLADENS, y que quzás no sea sino una mera analogía con Castelldásens, literalmente “Castell d’ases” (“de asnos”)12, donde se cumple un curioso plural irregular, incorrecto en el catalán normativo, pero frecuente por aquel contorno, aplicado a palabras como àsens (“asnos”), térmens (“términos”), que da nombre a una población), hòmens (“hombres”), còvens (“cuévanos”) y algunos más, cuyos plurales correctos serían ases, termes, homes, coves…, pero el recuerdo del latín se mantiene, inconscientemente, en el habla popular. Es muy probable que la vacilación entre el plural irregular de Castelldàsens y el regular de Capellades indujera ese Capellàdens, a todas luces incorrecto.

El tipo que hemos considerado como F se reduce a ostentar la última E de manera inscrita en la D. Sin embargo es muy posible que, para quien no apreciara esa E inscrita, el rótulo que constituye nuestro tipo G dijera, sencillamente, CAPELLADS creyendo que reproducía el anterior, y mantuviese la misma omisión de espacio entre la D y la S. Por ello, o quizás por una reflexión previa, el tenaz mantenimiento de este tipo representa el decidido propósito de no optar entre la vocal del plural castellano y la del catalán.

Un tipo que pudiéramos señalar como H es el que ofrece lo que indudablemente creo que es una A inscrita en la D, Porque la abertura de sus pies ha impedido que la D alcance a cerrarse, y porque para ser una E le falta el trazo horizontal inferior que caracteriza a esta letra13. Otras aes en las que su travesaño no llega a cerrarse —lo que quzás fuese motivo de escrúulo para la lectura que se propone— pueden verse en las marcas con sobrada frecuencia. El propio Valls las trae en su Historia, con referencia a Cataluña, indicadas con los números 26, 36, 58, 59, 70 A, 81 A y B, y 85, por citar sólo algunas.

Por fin, llamaré Y y Z a los CAPELLADAS de lectura indudable que se traen aquí, reservando todo el resto no ocupado del alfabeto para los tipos suficientemente caracterizados por alguna particularidad con que pueda seguir encontrándome. Es probable que una lectura con el plural en español no haya sido infrecuente, pero que quienes habitualmente levantan las filigranas tiendan a leer en ellas lo que creen estar seguros de que allí dice. Las Y y Z que ahora nos ocupan son de Joseph Soteras, el mismo que firma en 1779 —con cinco más— el dictamen antes aludido y que es respuesta a la consulta que la Junta General formuló a los “Guarros y Capelladas”14.

filigranas2

Valls da dos filigranas de Joseph Soteras, ambas del Archivo Notarial de Olot, una de ellas15 con su emblema aunque sin más inscripción que el apellido, por lo que me abstengo de reproducirla16; pero la otra17, con el propio emblema y, entre dos círculos concéntricos, la inscripción “FABRICA DE JOSEP SOTERAS, CAPELLADAS”, con la primera E inscrita en la P y un breve corazón como interpunción, tras el apellido. Por tales características la marco como Y. Y reservo la Z para el rótulo prácticamente idéntico que se ofrece en el Dictionary de Labarre, “FABRICA DE JOSEPH SOTERAS DE CAPELLADAS”, sin que la E se inscriba en la P18.

 


1. “Historia y leyenda. La Guía del Museo de Capelladas”, en Se trata del papel, SPICUM, Málaga 2001.

2. Alier, Barcelona 1986.

3. Ciertamente y de modo transitorio, trabajó en dos ocasiones como molino papelero (poco antes de la mediación del XIX, en la primera, y hasta 1919 en la segunda) y aún puede verse, a suelo descubierto, una parte de sus instalaciones: las primitivas pilas, que se soterraron al instalarse sobre ellas las pilas holandesas. Tampoco es excesiva su antigüedad: “el edificio ya existía como molino papelero mediados del XVII”, dice la Guía. Y añade que “fue ampliado en 1754 según consta en la dovela del arco de piedra que da entrada al museo”. Pero es portada, con su inscripción, procedía de un edificio de Moià de donde se llevó al actual emplazamiento cuando se iniciaron sus trabajos de escenografía. Todo el propósito de esa Guía es acreditar la antigüedad de la instalación, u así dice que la maqueta de marfil allí exhibida quizá represente la antigua disposición del molino, pero la realidad es que reproduce el molino de Pau Vidal (en cuya casa había estado expuesta siempre sobre una consola) y que se adquirió por 17.000 ptas. en un anticuario de Tarragona. Seguiremos inútilmente esperando una nueva redacción de la Guía en la que, al menos, se omitan las fábulas de la que está vigente. No es preciso que diga toda la verdad, pero sí que sea verdad todo lo que diga. Y una nueva edición de la misma, en la que su sobrecubierta de papel hecho a mano sea elaboración del propio museo molino, y no —desconcertantemente— un producto de Munné, S.A.

4. Según la razonable persuasión local, el topónimo se forma a partir del lat. tardío capella, en el sentido de “oratorio, capilla”, por referencia a las grandes hornacinas que la riera de Anoia va excavando en sus altas riberas próximas a Capelladas, y especialmente el bien conocido capelló que hay en sus afueras. (Pero véase ‘capilla’, aunque también ‘capillo’, en el Dic. crítico etimológico de Corominas).

5. Véase MADURELL i MARIMON, El paper a les terres catalanes… Barcelona 1972, p. 29.

6. En realidad lo único que se perdería si dejasen de suministrarle agua de un modo artificial sería una parte del show, porque el árbol de levas de aquel museo no es una prolongación del eje de la rueda hidráulica (como puede verse en el plano que figura en la Guía), de manera que sus mazos se han accionado siempre por un motor eléctrico. Pero es que, además, el papel no se hace allí de unos trapos que picasen esos mazos sino de línters de algodón tratados en la pila holandesa.

7. HPE II 68.

8. Véanse “Valoración de muestras catalanas de papel a mediados del siglo XVIII”, de José Luis Asenjo, en ITP 18 1968, y Rafael León, “Las Ordenanzas de 1791”, en Papeles sobre el papel, Universidad de Málaga, Málaga 1997. Aunque hubo también sus excepciones egregias como las que se reconocieron —y ya hemos aludido parcialmente a ellas— a los Romaní de Capelladas y a los Guarro de la Pobla de Claramunt, declarando Reales Fábricas a sus molinos. Naturalmente Oriol Valls silencia esas bajas calificaciones al referirse a Cataluña en su Historia del papel en España. Pero también fue Real Fábrica —entre tantas más— la de Santhorell, en Huesca, y a nadie se le ocurre citar hoy sus papeles. Y recuérdese que en la Serranía de Ronda hubo una Real Fábrica de Hojalata.

9. La marca A, de 1816, es un calco de Mª Dolores Díaz de Miranda y otra; la B, de 1794, es de José Luis Lasanta; la C, de 1780, que se atribuye Valls, es de Bofarull, según Sánchez Real; la D, de 1763, es de Carmen Rodrigo y otras; E, F y G, de 1795, 1825 y 1825 igualmente, son las tres de Ángela Aldea. Todas ellas figuran en las actas del II, IV y V Congreso de la HHP.

10. Se trata de la interpunción que es característica en los papeles españoles del XVIII, un corazón, según E.J. Labarre en su Dictionary (vide infra), p. 352, líns. Penúltima y última.

11. Corominas ha mostrado cómo algunos catalanes del medievo, escribiendo —incorrectamente— en castellano, ponían palabras como lanto y análogas.

12. Castelldàsens (Castra asinorum en la documentación medieval) ha cambiado de nombre para evitar las previsibles burlas y ahora se llama Castelldans, es decir, “Castillo de antes” o “antiguo”.

13. Valls, HPE III 251.

14. Una de las carátulas que ofrecí en el lugar antes indicado y en la que se lee “Capelladas” era de Romaní y Soteras.

15. Núm. 107, de 1778, en su HPE II 253.

16. Gonzalo Ganoso, en su Historia del papel en España, ofrece otras dos filigranas de J. Soteras, con los núms. 246 y 247 del vol. III (Lugo, 1994), pero igualmente sin mencionar la villa.

17. Núm. 107, de 1764, en la p. 252 del mismo volumen.

18. El calco del modelo que aquí reproducimos, y que se data en Madrid 1773, aparece con el núm. 179 en la p. 353 del Dictionary and Encyclopaedia of Paper-Making de E.J. Labarre, 2ª ed. Su referencia en ese libro puede verse en p. 348 líns. 10-11: “Marks of Catalan paper include those of Soteras of Capelladas: eagle with sun etc. in a circular band”. Otras filigranas de Soteras, sin texto o al menos sin citar el nombre de la villa, pueden verse en III AHHP 210 y en IV 331, respectivamente levantadas por Ángela Aldea Hernández y Amparo García Cuadrado.

Fuente: http://arsfluentes.es/ddiseno/ddiseno-4/documento7.htm


“Shnei Shoshanim”, Kedem Ensemble

Talya G A Solan – voice
Zhubin Kalhor – kamanche
Antonello Messina – accordion
Omri Hason – percussion
Video: Tim Duerig
Mix: Nitzan Peri
Produced and recorded by Omri Hason – http://www.omrihason.ch

אנסמבל קדם – שני שושנים
באנסמבל קדם משתפים פעולה מוזיקאים מאיראן, ישראל, איטליה ושוויץ.
הביצוע של האנסמבל ל”שני שושנים” קלאסיקה ישראלית של יעקב אורלנד ומרדכי זעירא מביא את השיר לקדמת הבמה הבינלאומית ומעניק לו גוון אתני ג’אזיסטי.
ז’ובין קלהור – קמנצ’ה
טליה ג.סולאן – שירה
אנטונלו מסינה – אקורדיון
עמרי חסון – כלי הקשה והפקה מוזיקלית
טים דואריג – צילום ועריכה.

Shnei Shoshanim (Dos rosas)

I’ll sing you an ancient song,
I’ll sing you a tune about a rose
A song from way back when
two roses, two roses.
It was long ago that day,
one was white, the other red.
Children of one garden, like two brothers,
grew leaves, grew thorns.
The time came, the morning a pale shade
the white opened its eyes,
the evening came and the day went down
the red one closed its eyes.
And in the nights, in the nights
winds blew in them slightly.
How they sprouted until one rose,
the hand that picked one rose,
and it isn’t known until today –
the white or the red.


“Holocausto”, lecturas para comprender el presente, Juan Zapato

En el marco del
“Día Internacional de Conmemoración de las Víctimas del Holocausto”.

“Holocausto”,
lecturas para comprender el presente
.

Disertación del escritor israelí Juan Zapato
sobre las obras
“El rescoldo”, de Sara Strassberg-Dayán
y “El último día”, de Mina Weil,
autoras israelíes contemporáneas.

 

  • 26 de enero 19:00 hs.
    Librería GIL, Plaza Pombo, Santander.
  • 27 de enero 19:00 hs.
    Centro Cívico La Bolsa – Palacio John, Casco Viejo de Bilbao.
  • 31 de enero 20:00 hs.
    Hotel México, Rúa del Norte 10, Vigo.


“Gabinetes espaciales”, Juanse

Gabinetes espaciales,
donde la gente va,
los que llegan de la tierra,
esos son los más…
ah…

Algunos saben,
porque lloran…
y algunos quieren,
ver la aurora…

Gabinetes espaciales,
flotando sin razón…
Circos de polietileno,
para ver el sol…
oh…

Y en navidad todos se juntan,
y explotan bombas en la luna…

Gabinetes espaciales,
donde la gente va,
los que llegan de la tierra,
esos son los más…
ah…

Algunos saben,
porque lloran…
y algunos quieren,
ver la aurora…


“Promo 100”

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Precio especial de ₪ 100 (cien nuevos shekels israelíes o su moneda local, incluye envío gratis), por la adquisición de un ejemplar de “Fractales de Plenilunio” y otro de “La última historia de amor”.

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“La fée”, Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Romy

La comedia burlesca nació con los primeros días del cine. Las andanzas de sus protagonistas, generalmente solitarios, vagabundos, al margen de la sociedad pero con un enorme corazón, conquistaron al público desde su aparición y permitieron a sus actores convertirse en las primeras estrellas internacionales.

Charles Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd, los tres maestros del género, abrieron el camino a un sinfín de imitadores, con mayor o menor inspiración, hasta hoy, con un pico de calidad en el fabuloso actor Jacques Tati. Sus gags de persecuciones, tropiezos, meteduras de pata, equivocaciones, trompazos y sentimentalismo fueron perdiendo, poco a poco, público, pero aún conservan fieles seguidores y la comedia actual no oculta su poderosa influencia.

Sin embargo, el burlesco puro es tan complicado de obtener que sólo una alta concentración de creatividad y energía conduce a un buen resultado sin pasar por el ridículo. Esta película es un excelente ejemplo de un inagotable baúl repleto de gags, situaciones y diálogos dignos de la época dorada del género.

El típico cuento del hada que concede tres deseos se convierte en manos de estos alocados belgas en un regalo para la vista. Actualización obligatoria para adaptarlo al gusto del siglo XXI, el castillo se convierte en un hotel de Le Havre (ciudad últimamente muy de moda en las pantallas, Tournée o el último film de Aki Kaurismäki), el príncipe es el portero de noche, el reino la barra de un bar, el caballo una bicicleta…

El ritmo se acelera y de las sonrisas iniciales se pasa a la carcajada general al final de la película. Los actores están increíbles en este film tan visual: expresivos al límite y capaces de implicarse en una actuación, por momentos, extraordinariamente física. Un embarazo instantáneo, un camarero miope, un coro femenino de jugadoras de hockey, un bebé a punto de desplomarse del rótulo del hotel o la persecución más lenta de la historia del cine son momentos gloriosos para los espectadores que aprecian la poesía surrealista e imprevisible de la existencia humana y sus tribulaciones.

Fuente: http://cine-invisible.blogs.fotogramas.es/2011/10/17/el-hada-la-fee-belgica-2011/

Título original : La fée (The Fairy)
– Año _ 2011 – Duración : 93 min. – País : Francia
– Director : Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Romy
– Guión : Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Romy
– Reparto : Dominique Abel, Fiona Gordon, Philippe Martz, Bruno Romy, Vladimir Zongo
– Productora : Coproducción Bélgica-Francia
– Género : Comedia. Drama. Fantástico
– Premios : 2011: Festival Internacional de Hampton: Premio del Jurado


“Mario y sus Paradise Birds”, Yamila Carini

“Mario y sus Paradise Birds”, Yamila Carini 

La última vez que Margarita Luz de las Tinieblas se detuvo a mirar el «horizonte»,Mario, su marido, rompió el equilibrio.  —Marga… ¿y si nos vamos a Indonesia?

La mujer, de unos treinta años, se encontraba tomando té frío en el balcón junto a Enriqueta, una gata persa que admiraba a su dueña con ojos de búho, característicos en esa especie de peludos. El felino movió la vista lentamente agitando su majestuosa cabellera y en un pestañeo tajante, cerró el ojo izquierdo en forma de guiño.  Su ama se reacomodó en la silla.  Ella seguía observando el «horizonte»,o sea, el balcón del edificio de enfrente; cuando súbitamente recordó el significado de su nombre: «Margarita, nombre griego que significa perla, popularmente llamado aquella que no arriesga». Esta definición estaba adherida en su memoria, pero para sus adentros, su nombre significaba: «flor amarilla que crece como el junco y es salvaje como el viento».Eso se repetía cuando escaseaba  el aire en la oficina, y a veces, al mirar las góndolas del supermercado.

—Eso queda en Asia ¿no gordo?

—Sí ¡sí!  Es el lugar que muestran en la televisión, con esos pájaros multicolores que tienen hilos en vez de alas –el hombre tomó un gran sorbo de aire- picos invertidos y ojos fluorescentes… ¿te acordás?  ¡Los paradí-se berds!

La mujer sonrió con cierta picardía en sus ojos. —Paradise birds —corrigió.

En el macetero del vecino la albahaca crecía como los tréboles, los tomates cherry comenzaban a asomar sus amarillentos cuerpos y la menta estaba llena de hojas puntiagudas con olor a chicle.

En cambio, las petunias de Margarita se habían secado poco a poco y solamente quedaba un helecho en pie, el cual era alimentado por la lluvia.   

Paradise birds— repitió en voz baja y la gata suspiró tan profundo que a Mario le dio un ataque silencioso de celos.  No le gustaba para nada esa complicidad que se enredaba entre el animal y su mujer.  Lo caratulaba secretamente como «incestuoso».Compartir el amor con sus futuros hijos lo asustaba, pero de seguro lo sentiría razonable…  Ahora, los sistemáticos suspiros y ronroneos a dúo le molestaban casi como cuando su equipo erraba un gol, así de tanto.

Ambos guardaron silencio y se zambulleron en sus propios pensamientos.

Por primera vez, contaban con trabajos establemente herméticos, que brindaban la posibilidad de viajes cortos, quesos franceses y ropa de marca.

A principio de año, Margarita había leído en un horóscopo que su «herida ancestral» se encontraba en proceso de curación, algo que la tenía alterada, pues no sabía que era una «herida ancestral». Había googleado días enteros en búsqueda de alguna respuesta pero todo era tan ilógico como la actual «cacería de pokemones». Se sentía de otra época, como si las vidas anteriores la estuviesen abucheando.

En cambio, el horóscopo de Mario indicaba que se encontraba en una búsqueda de su propio ser, para comprender que hay algo en él que no sufre cuando sufre y que no se enfada cuando se enfada.

Después de unos segundos, ambos se miraron y sonrieron.  Enriqueta, estiró su corto cuerpo en el regazo de su ama haciéndose un nudo.  Mario, tomo bruscamente a su mujer por ambos hombros y corrió violentamente al animal, tirándolo al suelo.  —¡Esta gata de porquería se queda acá! ¡¿Me entendiste?!

Margarita Luz de las Tinieblas, se levantó de la silla bastante mareada y al mismo tiempo como una flor amarilla que crece como el junco y es salvaje como el viento. 

Yamila Carini©


Ven a disfrutar una cita con “La última historia de amor”, con Andrea Bauab

LaultimahistoriadeamorenJer

No te pierdas esta cita
“La última historia de amor”, el boom romántico del año,
junto a Andrea Bauab.

Te esperamos en la “Librairie Vice-Versa”,
con todo su glamour
el próximo jueves 1 de diciembre a las 18:00 horas.
Calle Shimon Ben Shatah 1, Jerusalén.

http://www.latorredebabelediciones.com


Presentación de “La lira & la espada”, con su autor David Mandel

La lira y la espada 3D1¿Quién no conoce la historia de David y Goliat? ¿Hay alguna comunidad judía en el mundo donde los niños no cantan la canción “David, melej Israel, jai, jai ve kayam” (David, rey de Israel, vive y existe)? Me atrevería a decir que no ha existido otro rey, en la historia o en la leyenda, cuya fama y popularidad rivalice con la del rey David.

Hay quienes preguntan, ¿Existió realmente el rey David? ¿No será tal vez un personaje mítico como lo es el rey Arturo de la Mesa Redonda, o el rey inca Manco Cápac, quien, según la leyenda, fundó la ciudad del Cuzco donde se le hundió una vara de oro?

Y si aceptamos que realmente haya existido, ¿fue David rey de un imperio que llegaba desde el desierto de Egipto hasta la ribera del río Eufrates, como lo relata la Biblia, o fue simplemente el jefe de una tribu en una pequeña región de Judea, como lo manifiestan algunos respetados historiadores y arqueólogos?

¿Qué le habría pasado al rey David si hubiese reinado en nuestra época y no hace tres mil años? ¿Si al ex–presidente de Israel Moshé Katsav lo condenaron a siete años de prisión por encontrarlo culpable de acoso sexual y violación, cual sería la pena que hoy se le daría al rey David por haber ordenado la muerte del esposo de la mujer que había seducido?

David Mandel te espera para darte todas las respuestas,
el miércoles 30 de noviembre a las 18:00 horas en la
“Librairie du Foyer”, Kikar Masaryk 14, Tel Aviv.

La lira & la espada en TLV

www.latorredebabelediciones.com


“Hoy es el día de Mina Weil”

Fondo

A las 18:00 horas en la “Librairie Vice-Versa” sita en la calle Shimon Ben Shatah 1 de Jerusalén, la profesora Florinda Goldberg presentará a Mina Weil, autora de “El último día”  y conversarán con el público asistente.

http://www.latorredebabelediciones.com/el-ultimo-dia


“Hoy es el día de Sara Strassberg-Dayán”

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Conversando con la autora Sara Strassberg-Dayán, sobre su libro “El rescoldo” y toda su actividad literaria.

Los esperamos en la “Librairie du Foyer”, kikar Masaryk 14 de Tel Aviv a las 18:00 hs.

 


“Carta a mi padre/Explicación de mi Amor”, poesía de Enrique Estrázulas. Interpretación de Alfredo Zitarrosa.

Enrique Estrázulas es narrador, dramaturgo, ensayista y poeta uruguayo nacido en 1942. Es autor entre otros libros de poesía de El Sótano (1965), Fueye (1968) y Caja de tiempo (1971). Bajo el título Confesión de los perros (1975) realizó una muestra antológica de sus 3 libros anteriores, más un nuevo corpus genérico homónimo a la obra. Su novela más célebre es Pepe Corvina (1994), a la que se suman otros títulos como Lucifer ha llorado (1980), El ladrón de música (1982), Tango para intelectuales (1990), Espérame Manon (Planeta, Montevideo, 2009) y El sueño del ladrón (Sudamericana, 2013).

Su estilo lírico es mesurado, de verso breve, tendiente al aforismo y al texto minimalista, no obstante sus piezas más extensas recrean este tono expresivo en secuencias segmentadas ligeramente argumentales. Su atmósfera es suburbana, tendiente a lo popular, visualizando los espacios pequeños, la vida contemplativa alternada con los oficios elementales del ciudadano sencillo, como un reducto de recuperación de los afectos. Tiende a lo existencial y lo melancólico, con un lenguaje coloquial.

Lo musical no le es extraño, tanto en lo temático como en el tratamiento del texto, particularmente en la disposición silábica de su poesía. Fue representante artístico del músico y cantautor Alfredo Zitarrosa durante algunos años, dedicándole además el ensayo biográfico El cantor de la flor en la boca (1978), reeditado y ampliado en 1990 bajo el título Cantar en uruguayo.También le dedicó a Zitarrosa el cuento “El poniente”, aparecido en Cuentos Fantásticos en 1984.

Alfredo Zitarrosa fue escritor, músico y periodista uruguayo, nacido en 1936 y fallecido en 1989. Su discografía es extensa y se extiende entre 1966 y 1989 con no menos de 30 álbumes de larga duración con interpretaciones y piezas originales, además de otras 20 compilaciones y reediciones a las que se suman la publicación de Los Archivos Inéditos de Zitarrosa en 1998, con 10 discos compactos que reúnen ensayos, entrevistas, recitales y versiones de prueba. En estos archivos así como en su obra Guitarra Negra (1977) el artista desarrolló un género propio al que llamó “contra-canciones”, consistente en textos de verso libre y tratamiento propio de la poesía contemporánea universal, declamados o leídos con acompañamiento musical casi siempre basados en la estructura rítmica de la milonga. Las composiciones originales de este ciclo de obras fue anticipada en demos aparecidos en los archivos en los cuales el artista improvisa en la guitarra y explica oralmente el concepto. Entre 1984  y 1987 desarrolló un ciclo de piezas instrumentales llamadas “Melodía Larga“, que se inspiraban en el ritmo del 6/8 (3/4 duplicado) para sintetizar la música afro-rioplatense, con recreación de la evolución genérica candombe-milonga-habanera-tango. Se propuso este concepto en una obra de 3 movimientos, de los cuales el último, llamado Truco No, resume a la perfección el itinerario trazado. En 1989 edita su última obra en vida, también de ambiciosos alcances: “Sobre pájaros y almas“, estructurado en base a 2 cuentos propios leídos con acompañamiento de guitarra del compositor Héctor Numa Moraes.

De su obra literaria se publicaron en forma póstuma los títulos Fábulas materialistas (2001), El oficio de cantor (2001) y Por si el recuerdo-doce cuentos (2002) en narrativa y Sonríe Muerte (2011) en poesía, conteniendo este último una obra poética que el propio artista archivó en condiciones definitivas sin publicarla jamás en vida. La edición facsimilar que ha rescatado del olvido esta obra está enriquecida con un diseño gráfico vanguardista, que combina lo audaz y lo sobrio en perfecto equilibrio, convirtiendo el libro en un objeto de arte. De su obra poética no musical, el texto de “Explicaciones“, ganador del Premio Municipal de Montevideo en 1959, aún permance inédito.

Su canción más ampliamente divulgada es El violín de Becho cuya primera versión se grabó en 1969. Musicalizó poemas de poetas uruguayos como Enrique Estrázulas, Idea Vilariño y Washington Benavides, casi siempre modificando los textos significativamente. Se le considera pilar fundamental de la música popular latinoamericana y figura cultural de proyección universal en Uruguay. Fue militante del Partido Comunista uruguayo y una arista abundante de su trabajo trasluce esa preocupación, sin llegar a ser la parte más importante de su obra.

El poema

Estrázulas publica este poema con el título “Carta a mi padre”. Aparece en Caja de tiempo (1971) y luego lo reedita en Confesión de los perros (1975), página 55. En el penúltimo verso de la estrofa 5 “fugaba” podría ser una errata de “jugaba”, pero ambos sentidos son admisibles. En la estrofa siguiente “hollinado” aparece sin ‘h’.

El texto íntegro es el siguiente:

De golpe ya no estás
-y eso fue todo-
ni una palabra debería escribirte
porque llevo un licor inanimado
lastre fetal
de aquel aburrimiento.

De golpe ya no estás. Estoy dejando
-la carta y el adiós. Todo el olvido
que ronde tus maderas en las tardes
será también el mío.

Y los sollozos que dirán tu nombre
breves serán
quizás
tú lo sabías.

Yo quisiera explicarte lo que guardo
de aquellos años en que fui tu hijo
-no de tu ausencia, tu vejez, mi culpa-
todo es distinto ahora
ayer vivías.

Ahora no merezco lo que canto
porque es tarde
-y ayúdame-
decía
que hubo otro tiempo no hace mucho y blanco
suave festín de pianos y de risas
en la estación donde fugaba el viento
con oboes, guitarras y violines.

Copa de alcohol ardiente, eras mi padre
eras un viejo amigo
lobo de puertos hollinados y ocres
sensitivo y brutal
lento
dormido.

Fuiste lo que yo vi. Nada más fuiste
lo que quisiste ser
caja escondida
clavicordio encerrado en las paredes
oreja de la sombra y el sigilo.

Imaginario cuerno de pastores
de engramillados y remotos países
canto rodado, piedra de burbuja
que el amor no tocó
jamás
ni el día
ni el nácar de los pájaros del alba
ni la lluvia natal de arpas antiguas.

Eras como te vi. Ya nada es cierto
porque es tarde
-perdón-
tarde lo digo
nada tiene sentido ya a esta hora
tus campanarios están quietos
vibran
sólo los mares, sólo el taciturno
espejo de tus células más íntimas.

Pero mientras te busque en tantas cosas
mientras regreses sin que llame, límpiame
la llaga del dolor. Deja el recuerdo
fijo en la grieta
déjalo
no olvides
que después de la muerte ya no hay otra
órgano silenciado
larga caja de pino.

La canción:

Zitarrosa trabajó en base a este poema durante su estancia en España en 1976 y lo musicaliza con el título de Explicación de mi amor. Fue grabado por única vez en Argentina (no existen otras versiones) y aparece por primera vez en el álbum “Adiós Madrid” de 1979 editado en México. Luego se reedita en 1982 en México y en compilaciones argentinas de 1983 (Temas Inéditos) y 1984 (De Regreso).

Su texto íntegro es el siguiente:

De golpe no estás -nada más sucedió-
borrachera fetal que tu muerte me deja.
Con esta canción que solloza, olvidada de mí,
rondaré tus maderas.

Quisiera explicarte mi amor, no tu ausencia
o mis culpas; ayer tú vivías.
Si ya no merezco cantar para ti,
yo te pido: no sigas muriendo.

El tiempo pasado, ese suave festín,
donde fuiste una caja escondida,
un clave encerrado en el muro,
una oreja en la sombra, el sigilo de nadie.

Ese tiempo y tú, lo que yo conocí,
lo que quisiste ser, clavicordio y alcohol,
sensitivo y brutal, el pasado y el piano
acabaron en este silencio.

Si ya no merezco cantar para ti,
yo quisiera explicarte mi amor, aunque es tarde.
Tu tiempo pasó, pero yo me quedé aquí,
tañendo por ti, en tus campanas.

Cuerno de pastor de un remoto país,
piedra lisa que el alba y el cielo tocaron;
soy como tu mar, rodaré eternamente
hacia ti, y desde ti, a lo más hondo.

Mas mientras te busque en las cosas,
en tanto regreses sin que yo te llame o te olvide,
te pido que limpies mi amargo dolor;
por favor, que no sigas muriendo.

Mi padre serás, como fuiste mi padre,
un gameto en la grieta cerrada del tiempo,
voz ronca de un órgano ya enmudecido,
ahí estás, larga caja de pino.

El llanto que nombre tu nombre
será breve y, hombre, talvez lo sabías;
pero es tanto amor exigiendo mi amor;
por favor, no te sigas muriendo.

Alfredo Zitarrosa© Enrique Estrázulas©

Fuentes: https://www.youtube.com/watch?v=vBn9VO_EVb8

http://malafepiedranegra.blogspot.co.il/2014/08/2-poemas-de-estrazulas-2-canciones-de.html

 


“Shira Shir” y el Premio Nobel de Literatura 2016

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Shira Shir, es la trasliteración del hebreo al español para decir algo así como “la poesía y la canción”. A muchos les sonará “Shir haShirim” (“El Cantar de los Cantares” del Rey Salomón), de una lectura literal quien lo lea puede darse a confusión al interpretar un poema amoroso entre un hombre y una mujer. Así como en cualquier idioma, el poeta juega con metáforas para decir u ocultar algo, el idioma hebreo se va componiendo a partir de una raíz y además a cada letra le corresponde un valor numérico (gematría) y a su vez la suma de estas genera un nuevo significado.

Pero para no enloquecerlos, todo viene a colación con motivo del Premio Nobel de Literatura 2016 otorgado a Bob Dylan «por haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana de la canción».

Por cierto les dejo una versión que seguro no conocían:

Tema: “Blowing in the wind”, Bob Dylan
Traducción al hebreo: Jonathan Gefen
Intérprete: Dani Litani.


“UNESCO niega la conexión judía a la Explanada del Templo”, David Mandel

 

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UNESCO es la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura. Se fundó el 16 de noviembre de 1945 con el objetivo de contribuir a la paz y a la seguridad en el mundo mediante la educación, la ciencia, la cultura y las comunicaciones. Su sede principal está en Paris.  Hoy tiene cerca de 200 Estados miembros, entre ellos Palestina desde el año 2011.

Su vocación es pacifista y su finalidad es hacer progresar a las naciones del mundo, sin afectar su identidad y diversidad cultural. Bueno, esa es la teoría por lo menos. En la práctica, desde que la UNESCO aceptó a Palestina como Estado miembro, la organización se ha vuelto un campo de batalla que los palestinos utilizan para deslegitimizar a Israel.

Hasta ahora los palestinos han logrado que dos de los lugares más sagrados para los judíos, la Cueva de los Patriarcas en Hebrón, donde están sepultados Abraham, Isaac y Jacob, y la Tumba de Raquel, en el camino entre Jerusalén y Belén, hayan sido declaradas mezquitas. Su siguiente objetivo es negar que haya existido un Templo judío en Jerusalén, y cambiar oficialmente el nombre de la Plaza del Templo al nombre árabe Haram al-Sharif  (“Noble Santuario”), y el del Muro Occidental del Templo a Muro Buraq, en honor al caballo de Mahoma, que llevó a su jinete por el aire de La Meca a Jerusalén según la tradición musulmana.

Buraq no es el único caballo en la historia, religión o leyenda que tuvo la capacidad de volar. Pegaso, en la mitología griega, era el caballo del dios Zeus, luego utilizado por Belerofonte para matar a la Quimera. “Tulpar”, en las leyendas de los mongoles, son caballos alados. La escritora J.K. Rowling en sus libros acerca de Harry Potter menciona al “Thestral”, una variedad de caballo alado con un cuerpo  esquelético, rostro de reptil y alas que recuerdan a las de un murciélago.

El vuelo de Buraq de La Meca a Jerusalén, (1516 kilómetros de ida y 1516 kilómetros de vuelta en una sola noche) es un milagro, no sólo por el hecho de que un caballo pudiese volar, sino también por ir contra la cronología. Mahoma visitó una mezquita, (Al-Aqsa, “La mas lejana”), 89 años antes de que esta fuera construida.

Revisemos la cronología:

  • Año 632. Mahoma murió el 8 de junio de ese año. (Respecto al caballo Buraq no he logrado encontrar información sobre la fecha de su deceso.)
  • Año 637. El Califa Umar conquistó Jerusalén en el mes de abril del año 637, cinco años después de la muerte de Mahoma.
  • Año 690. La Cúpula de la Roca fue construida, 58 años después de la muerte de Mahoma
  • Año 710. La mezquita Al-Aqsa, visitada según la tradición por Mahoma en el año 621, fue terminada de construir recién en el año 710, (78 años después de la muerte de Mahoma).

Los palestinos, en su continua campaña de negar toda conexión judía a la Tierra de Israel, han presentado una moción a la UNESCO para negar toda relación judía a la Explanada del Templo y al Muro Occidental, a pesar de que la historia, la arqueología, la religión, los cronistas de la época, (Josefo Flavio y otros) dan abundante evidencia de que existió un Templo Judío en la Explanada del Templo.

Para estar seguro y confirmar lo que acabo de escribir revisé el Nuevo Testamento. Me di con la sorpresa de que los Evangelios no mencionan ni una sola vez al caballo Buraq. Tampoco nombran el Muro Buraq, que según los musulmanes y desde hoy también según UNESCO, honra la memoria del caballo alado.

En contraste, el Nuevo Testamento menciona el Templo judío 117 veces, (más veces que el Tanaj [llamado “Antiguo Testamento” por el mundo cristiano] donde es mencionado unas 100 veces). Aquí van algunos ejemplos. Mateo 21:23 relata que Jesús predicaba en el Templo. Mateo 21:14 dice que Jesús curaba a ciegos y paralíticos en el Templo, Juan 2:15 cuenta  que Jesús cuando era un niño fue encontrado por sus padres en el Templo conversando con los maestros. Lucas 2:46 menciona que Jesús expulsó a los mercaderes y cambistas del Templo. Los Hechos de los Apóstoles atestiguan que Pedro, Pablo y otros apóstoles visitaban frecuentemente el Templo. Si también visitaron la mezquita Al-Aqsa, que, según los musulmanes, está allí desde hace miles de años, los Evangelios, por algún motivo que desconozco, no lo mencionan.

NOTA.- Los párrafos anteriores los escribí antes de la votación de UNESCO. La votación se realizó ayer jueves 13 de octubre del 2016, y el resultado ha sido un triunfo para los palestinos y para los árabes. La UNESCO ha aprobado que, de hoy en adelante, el Muro Occidental (antes llamado Muro de los Lamentos) lleve el nombre del caballo Buraq, y la Explanada del Templo sea llamada únicamente por su nombre musulmán con lo cual niegan cualquier conexión judía con esos lugares sagrados para el judaísmo, e, indirectamente, también niegan la conexión cristiana.

Votos a favor24 países

16 países musulmanes o con gran proporción de población musulmana: Argelia, Bangladesh, Chad, Egipto, Irán, Líbano, Marruecos, Mauritania, Omán, Pakistán, Qatar, Sudán, Malasia, Nigeria, Mozambique,  Senegal.

6 países cristianos o de gran mayoría cristiana: Brasil, República Dominicana, México, Nicaragua, Sud África, Rusia

2 países de otras religiones: China, Vietnam

Votos en contra6 países

Estados Unidos, Gran Bretaña, Holanda, Lituania, Alemania y Estonia.

Se abstuvieron de votar (i.e. se lavaron las manos)26 países

2 países con gran proporción de población musulmana: Albania, Costa de Marfil

18 países cristianos o de gran mayoría cristiana: Argentina, Camerún, El Salvador, España, Francia, Ghana, Grecia, Guinea, Haití, ItaliaParaguay, Suecia, Ucrania, Eslovenia, Uganda, Kenia, Saint Kitts, Trinidad.

6 países de otras religiones: India, Japón, Sri Lanka, Nepal, Corea del Sur, Togo.

Mi Enfoque #609, Octubre 14, 2016 por David Mandel©.

INVITACIÓN

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Foto de portada JWC, anuncio presentación: La Torre de Babel Ediciones®

 

 


“El guión de D-os. El silencio como escritura”, Margie Haber Mustri

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[…] una voluta desdibujándose en la pintura:
Palabra descarnada nada queda o casi: diríase […]
(Luis Felipe Fabre: Cabaret Probenza)

La palabra y la antipalabra nos han escrito y des escrito como pueblo, pues un pueblo sustentado en el lenguaje debe considerar la des escritura (1) como parte de la propia escritura.

En la sección “La escritura de las cosas” que se encuentra en el libro Las palabras y las cosas, el filósofo-historiador Michel Foucault, define el lenguaje como “una red de marcas en la que cada una puede desempeñar en efecto, en relación con todas las demás, el papel de contenido o de signo, de secreto o de indicio” (Foucault 42) de ese modo, él mismo establece que la función de la palabra además de signo, tiene que ver con un secreto o un indicio; como si el silencio fuera parte del lenguaje mismo.

Foucault establece una relación entre el lenguaje y la verdad; y de ese modo habla de la forma en la cual el lenguaje se relaciona con el mundo, pues según él: “[…] el lenguaje real no es un conjunto de signos independiente, uniforme y liso en el que las cosas vendrían a reflejarse como en un espejo, a fin de enunciar, una a una , su verdad singular.” pues el lenguaje del que habla Foucault es aquél que reside al lado del mundo “[…] entre las plantas, las hierbas, las piedras y los animales”, y como parte del mundo, el lenguaje “[…] es más bien una cosa opaca, misteriosa, cerrada sobre sí misma, masa fragmentada y enigmática punto por punto, que se mezcla aquí o allá con las figuras del mundo y se enreda en ellas.” (Foucault, 42 y 43)

Tomando la analogía entre verdad y lenguaje que Foucault se ha encargado de exponer, y pensando en el silencio, indicio y misterio como parte de éste ¿Qué relación tiene el nombre o el desnombre de Dios con nuestra verdad? ¿Cómo estamos inscribiendo o des inscribiendo a Él?

Así como el silencio también escribe, éste también se escribe. Y considerándonos un pueblo de la escritura ¿Qué mejor que la poesía para circundar aquello indecible? Lo indecible tiene muchos nombres, he aquí un ejemplo: “El adir shemaj, el baruj shemaj, el gadol shemaj, el dagul shemaj […]” (“El Dios poderoso es tu nombre; el Dios bendito es tu nombre; el Dios grandioso es tu nombre; el Dios distinguido es tu nombre […]”) (Majzor, 101).

Analizando este fragmento del rezo de “Selijot” que se encuentra en Majzor vemos que el nombre de Dios está desperdigado por muchos intentos –allegados más no exactos– para referirnos a Él. Pues, hay un juego interesante y barroco que se enuncia para enunciar un vacío, vacío que precisamente es rodeado por un miedo al vacío, mismo que tiene que ver con los múltiples adjetivos y epítetos con los cuales enmarcamos. El Nombre, nombre que no está, pero que a cada instante recuerda ese vacío, precisamente por el marco que lo enmarca: la palabra “nombre” El Dios poderoso es tu nombre; el Dios bendito es tu nombre; el Dios grandioso es tu nombre; el Dios distinguido es tu nombre […]”, pero también por un sustituto de su nombre que viene siendo la entrada a su enunciación: Dios.

Etimológicamente hablando, en las lenguas romances, la palabra “dios” viene directamente del latín “deus”, “deidad”, “dios”; y a su vez, el término latino deriva del indoeuropeo “deiwos”, de la raíz “deis” (brillar, ser blanco) de la que deriva asimismo el término griego “Ζεύς” (Zeus); de hecho, la palabra española “dios” es idéntica en pronunciación a la griega “Διός” (Diós), forma genitiva de Zeus (el principal Dios de la mitología griega).Ahora que si nos vamos a las lenguas germánicas, la palabra para designar a la deidad proviene de la raíz protogermánica “ǥuđan”, de donde vienen “god” (inglés) o “gott” (alemán); raíz que derivaría de la forma indoeuropea reconstruida “ǵhu-tó-m”, proveniente de la raíz “ǵhau(ə)” (llamar, invocar). En hebreo tenemos el término “Yahveh”, que debido a su raíz, habla del nombre propio de una deidad edomita o madianita llamada “Yahwi”; además, en las lenguas semíticas, el término más extendido es “El”, del que derivan, entre otros, el hebreo “Elohim” (Señor, Dios) y el árabe “Alá” (Dios único y supremo).

Nos podremos dar cuenta de que cada idioma rodea el vacío que implica esta presencia con alguna palabra que significa algún atributo de la deidad, pero que no logra abarcar a la deidad entera. Es aquí donde la palabra dista de la cosa: “[…] el lenguaje real no es un conjunto de signos independiente, uniforme y liso en el que las cosas vendrían a reflejarse como en un espejo, a fin de enunciar, una a una, su verdad singular.” (Foucault 42); pues esta se relaciona con el mundo y dice algunas cosas con signos, y otras con silencios.

Volviendo a la palabra “Dios” –también podríamos aplicar el referente en cualquier idioma– como sustituto, sucede algo bastante interesante: al no ser la cosa pero ladear entre ella, le hemos atribuido a la palabra “Dios” la sacralidad de La Cosa (materia/ser), tanto que hemos decidido castrar(2) la palabra misma con un guión: “D-os”.Pensando la sacralización de lo más cercano que tenemos a Dios la cosa, que es Dios la palabra, palabra que enuncia lo que no se puede enunciar, hemos decidido ponerle un nuevo silencio a esta palabra de por sí silente: D-os. Pero a su vez el silencio está representado con un signo que hace presente, lo que se quiere ausentar: El guión.

¿Cómo se llama Dios? Se llama todo aquello pronunciable que sirve para no pronunciarlo, se llama “El Dios bendito” “El Dios grande”, etc. ¿Con qué pluma más penetrante hemos escrito el nombre de nuestro Dios, sino con aquella silente que la omite? ¿Qué es eso tan poderoso que nos nubla la palabra para nombrar al Eterno sino la palabra misma, el nombre? “Hashem”: Ha Shem, que quiere decir “El Nombre”, nombre aquél que se omite y disuelve en esta palabra que precisamente enuncia lo que jamás será enunciado. El nombre tan nombre que se des nombra, o más bien se enuncia en su desaparición; y paradójicamente, es así como aparece, en su espacio, en su guión; tal como “una voluta desdibujándose en la pintura” como diría Fabre.

______________________________

1 Al decir escritura, no sólo me refiero a la grafía, sino que también a la escritura que se escribe en el sólo enunciar la palabra.
2 Utilizo la palabra “castrar” desde el punto de vista Lacaniano, en el cual la castración es símbolo de falta y se representa con una línea.

Referencias:

Barton, G.A. A Sketch of Semitic Origins: Social and Religious. EE.UU: Kessinger Publishing, 2006
Encyclopedia of Christianity. 2001.
Encyclopaedia of Islam .Online.
Fabre, Luis Felipe. Cabaret Provenza. México: FCE, 2007.
Foucault, Michel. Las palabras y las cosas. México: Siglo XXl, 2008.
Majzor Yosef Jaim Yom Kipur, Hebreo-Español fonética. México: Jerusalém, 2004.
Oxford English Dictionary.
Roberts, Edward A.; Pastor, Bárbara. Diccionario etimológico indoeuropeo de la lengua española. México: Alianza, 2009.

Margie Haber Mustri©

Fuente: http://www.enlacejudio.com/2013/08/28/el-guion-de-d-os-el-silencio-como-escritura/


“Objetos”, Luisa Grajalva

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HAY un alma pequeña y silenciosa

en cada objeto de la habitación,

en cada cosa que contiene el mundo.

Un alma leve, un inaudible soplo,

un diminuto vuelo de milímetros.

Su tímido aleteo nos pide mil perdones

por causarnos molestias, pero de alguna forma

necesitan llamar nuestra atención;

han comprobado suficientemente

que el ser humano es casi ciego y sordo,

y sólo le permite al movimiento

hablar de tú a tú con su transcurso.

Con paciencia infinita,

el alma de las cosas nos contempla

y nos tiende la mano

desde los límites de sus perfiles.

Desciende hacia nosotros

—condesciende—,

Nos habla humildemente.

Sabe que es superior, pero procura

que no nos demos cuenta,

que pase inadvertido que son ellas

quien no temen daño ni futuro,

quienes no mienten ni pretenden nunca

mostrar lo que no son. Y, sobre todo,

que les será otorgado, sin esfuerzo, quedarse

cuando el tiempo decida

soltar de él nuestras manos,

aferradas desesperadamente.

Las cosas, los objetos,

las verdaderas forma de la vida.

Luisa Grijalva© del libro “Nada nuevo en la sombra”


“El Zoco. Secretos de Al Andalus”, Emilio Villaba & Sara Marina

El Zoco. Tema instrumental inspirado en música andalusí. Emilio Villalba: guitarra morisca y rabab. Sara Marina: bendir y craquebs. Grabado en el Jardín de Maya, Sevilla. Otoño de 2015
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“¿Y usted qué opina?

Lalira300Leer la “Lira & la Espada” fue un deleite, y me proporcionó una nueva visión del rey David. Después de su lectura advertí que no debo juzgar a David con la moral y con mi ética del siglo XXI. Es un libro apasionante y entretenido. Elda Pick

La novela histórica, como genero, permite trasmitir “el sabor” de los hechos sin la rigidez que se espera del historiador formal. Esto es lo que David Mandel logra en “La lira & la espada”. El rey David aparece como un personaje mucho menos idealizado del que presenta la Biblia, con capacidad de cometer actos de increíble crueldad, pero tal vez por eso mismo, mas humano y comprensible. Inevitablemente el autor “contagia” su visión personal del personaje, pero para quienes no pretendemos ser eruditos, este libro representa una ventana hacia un mundo fascinante del que poco sabemos. Definitivamente, vale la pena! Jaime Glottmann

Todos hemos leído la Biblia, de niños o adolescentes. El típico relato bíblico está escrito como una enseñanza, en forma educativa, con preceptos para obedecer. Nunca pensé que podría leer una historia bíblica llena de suspensos, emociones, celos, ansiedad por saber que pasa en la próxima página, sin poder parar la lectura de `La Lira & la Espada’. David Mandel nos presenta un rey David de carne y hueso, en un marco de aventuras, intrigas, alianzas y traiciones, amores y odios, que relata como un niño pastor de ovejas llego a ser rey de un gran imperio. La Lira & la Espada, un libro lleno de emociones y suspenso, es una lectura apasionante que será disfrutada por lectores de todas las edades. David Cukierman (Houston, TX United States)

La Lira & La Espada, de David Mandel es un excelente libro, emocionante en su trama y educativo en su lectura. Obligada lectura para quienes están interesados en conocer mejor acontecimientos bíblicos o en novelas de ficción histórica.
Mandel nos presenta la biografía novelada del bíblico rey David de una manera, interesante, fluida y muy original. Describe con talento al entorno y a los múltiples personajes del relato bíblico, manteniendo permanentemente el interés del lector en la trama.
Gran lectura para grandes y chicos. Hozkel Vurnbrand (Lima, Perú)

DATOS DEL LIBRO
Título: «La lira & la espada»
Autor: David Mandel
Nº de páginas: 178 págs.
Encuadernación: Tapa blanda con solapas.
Interior: Blanco y negro. Papel ahuesado.
Tamaño: 150 x 210 mms.
Peso: 268,14 grs.
Lengua: Castellano
ISBN: 978-965-91073-7-7
Precio: En España 18 €
                En Israel ₪ 90
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